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In Conversations with Bassist, Composer, Arranger, Author Rufus Reid

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Born on February 10, 1944, in Atlanta, Georgia, Rufus Reid was raised in Sacramento, California, where he played the trumpet in junior high school. After graduation, he enlisted in the U.S. Air Force. During his stint in the military, he took an interest in the bass. After fulfilling his obligation, he moved to Seattle, Washington, where he studied under James Harnett of the Seattle Symphony. Reid continued his education at Northwestern University in Evanston, Illinois, where he studied under Warren Benfield and Joseph Guastefeste of the Chicago Symphony. He graduated in 1971 with a Bachelor of Music Degree as a Performance Major on the double bass. Reid is also known as an outstanding educator. He and Dr. Martin Krivin created the William Paterson University Jazzrmance Program Studies & Perfo. Reid retired after twenty years but continues to teach, conducting Master Classes, workshops, and residencies worldwide. To date, Reid has recorded seventeen albums as a leader. He has toured and recorded with Eddie Harris, Nancy Wilson, Harold Land & Bobby Hutcherson, Lee Konitz, The Thad Jones & Mel Lewis Jazz Orchestra, Dexter Gordon, J.J. Johnson, Art Farmer, Stan Getz, Kenny Burrell, Kenny Barron, and countless others. Reid continues to lead his Out Front Trio with pianist Steve Allee and drummer Duduka Da Fonseca.  He released Out Front, the trio album, in 2010.  Reid recorded with this trio again, adding guests Bobby Watson, Freddie Hendrix, JD Allen, and Toninho Horta, releasing Hues of a Different Blue in 2011.

IN CONVERSATION

Tomas Peña: Congratulations on releasing “Quiet Pride: The Elizabeth Catlett Project.” The project marks a new and exciting chapter in your career.
Rufus Reid: I appreciate that. My wife suggested it was time for me to do things I wanted to do, so I joined the BMI Composers Workshop; that was the catalyst.
TP: Tell me about the Workshop.
RR: The workshop is a meeting of emerging and developing jazz composers. The focus is a big band, jazz orchestra, and large ensemble composition. The workshop fosters the growth of composers and creates a body of work that helps extend the composition language for the jazz orchestra. It also enables composers to come together and share ideas.
Rufus Reid, Elizabeth Catlett
TP: What attracted you to Elizabeth Catlett’s artistry?
RR: The BMI Composers Workshop and the Raymond and Beverly Sackler Composition Competition. Every year, they give the University of Connecticut – a heavy classical school – an award of $20,000.00 per year. In 2006, I learned that they added jazz. I submitted a proposal and was accepted. Then I had to decide what I would write about (compose), and that’s when my eyes fell on this thick coffee table book, “The Art of Elizabeth Catlett” by Samelia Lewis. As I gazed at the photos, I thought, “That’s it! I will propose a 4-part suite based on Catlett’s sculptures: Recognition, Mother and Child, Singing Head and Glory.” Later, I learned that the powers at BMI were embarrassed because the Sacklers were highly respected patrons of the sciences and the arts, and they never heard of Elizabeth Catlett.
TP: This is an excellent time to introduce Elizabeth Catlett to our readers. This from Francisco Mora Catlett, Elizabeth’s son: “Sculptor, printmaker, painter Elizabeth Catlett was born in Washington, DC in 1915 and educated in the U.S. In 1947, she traveled to Mexico on a Fellowship from the Julius Rosenwald Fund. One year later, she established herself as a permanent Mexican resident. She began her graphic work at the Taller de Gráfica Popular, where she met her second husband, printmaker and painter Francisco Mora. They had three sons – Francisco, Juan, and David Mora. Their friends included Mexican artists Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros. Catlett’s work with El Taller made her a target of the vicious post-war anti-Communist political environment, which led to the Cold War and McCarthyism. She became a Mexican citizen in 1962. During the Civil Rights Movement, the U.S. Government denied her entry into the U.S. However, a collective of Black artists helped her obtain a limited cultural Visa, and she mounted an exhibition at the Studio Museum in Harlem. Her standing as an American artist increased from the 1970s through the 1990s when many mainstream institutions acquired her work. After Francisco Mora’s passing in 2002, Catlett was granted U.S. Citizenship. She died in Cuernavaca, Mexico, in 2012, at 96.”
TP: Before the BMI Workshop, were you acquainted with Elizabeth’s son Francisco Mora Catlett?
RR: How I met Francisco is another story. A trumpet player named Eddie Allen gathers primarily Black players – guys like Jimmy Heath and Slide Hampton – to rehearse at the union. He invited me to come down. At the rehearsal, I explained that it was new music, inspired by Elizabeth Catlett, and the trumpet player said, “I know her son, Francisco, he used to live in Detroit, now he lives in New York,” and the French Horn player said, “She’s my Godmother!”
Francisco is an accomplished drummer and composer who studied and performed with Sun Ra, Max Roach, and Babatunde Olatunji. He is the leader of Afro Horn. I called Francisco and explained how I came to write music based on his mother’s art, and he told me she was coming to New York to visit, so I invited them to Sweet Basil, where I was performing with (pianist) Kenny Barron and (drummer) Victor Lewis. They showed up for the late set, and Elizabeth and I clicked; she reminded me of my grandmother. Later, I invited Elizabeth and Francisco to my home. Over dinner, she invited my wife and me to visit her in Cuernavaca, Mexico. We took the invitation as a nicety, a kind gesture. A few weeks later, Catlett called, “So, when are you coming?” My wife and I spent Thanksgiving with her in Cuernavaca, Mexico.
TP: Tell me about the visit.
RR: Art was everywhere. It was a lovely, comfortable home with several rooms, one large bedroom, and a kitchen. In the back were her and Francisco Mora’s studios. Seeing how she started things and how her work progressed was fascinating. I have never been around anyone like her before.
Elizabeth Catlett’s Glory (1981).
TP: Did the visit have an impact on the music?
RR: Not directly. I added a piece in 2012 when I procured the Louisiana State University concert. I revisited the score and tweaked it. Also, an exhibit at the Bronx Museum titled “Stargazers: Elizabeth Catlett in Conversation with 21 Contemporary Artists” highlighted Elizabeth’s role as a pioneering African American female artist and her relationship to later generations of contemporary artists (2011). That was the inspiration for “Tapestry in the Sky.”
TP: You performed the tunes, “Glory” and “Mother and Child” with your small group.
RR: It was different when I was looking for new material, but it worked. Speaking of the tune “Glory,” I was hired to do this thing with (promoter, producer, and impresario) George Wein at Dizzy’s Club Coca- (New York). I arrived, set my bass, hung up my coat, opened the door, and a woman walked in. I introduced myself, and she said her name was Glory. Curious, I asked, “You wouldn’t happen to be THE Glory by Elizabeth Catlett?” She looked at me and asked, “What do you know about that?” And I replied, “Well, I wrote the music.” Her full name is Glory Van Scott. She’s a noted producer, performer, author, educator, and civic activist. She met Elizabeth at a gathering of 35 African Women of note. Later, I asked Elizabeth about it, and she said, “I saw this woman, and I liked how her head looked. I asked her if I could sculpt her head.” So, all this and I meet THE Glory in such an advantageous way. Which tells me I was meant to do this project. Just me being here, talking to you, and we both live in Teaneck, New Jersey, is off the charts. People are contacting me out of the blue; all I can do is sit back and roll with it because it’s honest. I feel like I’m doing what I need to do, and I am grateful that I can do it before I am not able. We are all creators, and that’s why this project is about art inspiring other art. I am trying to force the interaction among the disciplines because I have been enriched. I like art inspiring art.
TP: What goes through your mind when you look at a work of art? How do you express your vision through music?
RR: “Mother and Child” are clear and clean, the lines move with the grain, and the shapes are linear. With “Glory,” there’s angst, power, and frowns, which I equate with something tonal, beautiful, angular, dissonant melodies, but pretty. With “Tapestry in the Sky,” I thought of people looking at the stars. If you stand there long enough, you can get lost and see many things.
For a long time, I thought, “Nobody will like this.” I just had to put it out there and let it go. I’m grateful to the “coaches” I have had over the years, people like Muhal Richard Abrams. He and I were on the road with (saxophonist) Eddie Harris for three years in the 70s. Muhal was always giving me the stuff to work on. He’d say things like, “Why don’t you check this out?” and “Never stop listening.” Also, (Pianist, Composer, and Conductor, Educator) Tania Leon was my mentor at the Columbia University Workshop. She can play Ravel, morph into Cecil Taylor, add some clave and montuno, morph back into Ravel, and make it look effortless.
TP: Looking back on the experience and the finished product. Does it meet your expectations?
RR: I can listen to it, and I like it. During the recording process, we listened to it and nausea. The project was recorded section by section, and the editing was pretty simple. We tried to capture the nuances. The only thing I insisted on was no overdubs.
TP: The enhanced CD includes a film that gives viewers an inside look at making Quiet Pride. The film captures an emotional moment where you compliment the players and say, “I wrote this, but I have never heard it performed on such a high level.”
RR: The musicians are my friends, people I have played with. I know their capabilities, particularly in this genre. You can hire musicians who play well, but if they have never played in a big band and don’t understand blending and phrasing, it can negatively impact the outcome. Everyone has immense experience, and they are individually creative, but watching it happen was neat because this is the first commercial venture showcasing my compositions globally. Everyone brought their “A” game.
(The Ensemble: Rufus Reid (bass), Steve Allen (piano), Herlin Riley (drums), Vic Juris (guitar), Dennis Mackrel (conductor), Trumpets: Tany Darby, Tim Hagans, Ingrid Jensen, Freddie Hendrix. Trombones: Micheal Dease, Jason Jackson, Ryan Keberle, and Dave Taylor. Reeds: Steve Wilson, Erica Von Kleist, Scott Robinson, Tom Christensen, and Carl Maraghi. Voice: Charlene Wade. Recording Engineer: James Farber).
TP: What kind of reception has Quiet Pride received?
RR: Trombonist Slide Hampton, Saxophonist, Composer, Arranger Jimmy Heath, and saxophonist and composer Benny Golson heard it, and they said, “Yeah, I enjoyed it.” I didn’t want them to go into a whole recitation; coming from them, that’s enough. Francisco Mora Catlett wrote, “Quiet Pride is such an inspirational work; the compositions are fabulous, the arrangements are rich, lavish orchestrations with surprising vocal melody effects and a great choice of master musicians that delivers beauty in these renditions; it is a marvelous epic work inspired by great American Art. Thank you, Rufus; I know my mother loves the work.” The other reaction I get is, “Why are you doing this?” People are puzzled by my participation in a workshop and taking music lessons at 70.
TP: You authored The Evolving Bassist, which has been described as the “definitive” book on the bass method.
RR: Yes, it was published in 1974. When I was with Eddie Harris, I was conducting clinics, and he said, “You’re intelligent, you’re a college graduate, you’re recording with me, why don’t you write a book! If you decide to write a book, I want you to promise me two things: you’ll finish it and own it.” Back then, I didn’t know how profound that statement was. Eddie was among the few who understood what being a professional musician meant. He saw and understood the big picture. He also used to say, “If it collects dust, it’s your dust!” I am still receiving royalties from some tunes we created together. I took his advice and finished the book. I published it, and I own it. Today, I tell young people, “If you think you have something that no one else has, go ahead and do it, but don’t give it away.”
TP: I am curious to know if Elizabeth heard the suite in its entirety.
RR: She heard a portion of it and approved.
TP: No doubt, Elizabeth is listening! 
Nacido el 10 de febrero de 1944 en Atlanta, Georgia, Rufus Reid se crió en Sacramento, California, donde tocó la trompeta en la escuela secundaria. Después de graduarse, se alistó en la Fuerza Aérea de Estados Unidos. Durante su paso por el ejército, se interesó por el bajo. Después de cumplir con su obligación, se mudó a Seattle, Washington, donde estudió con James Harnett de la Sinfónica de Seattle. Reid continuó su educación en la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois, donde estudió con Warren Benfield y Joseph Guastefeste de la Sinfónica de Chicago. Se graduó en 1971 con una Licenciatura en Música con especialización en interpretación en contrabajo. Reid también es conocido como un educador destacado. Él y el Dr. Martin Krivin crearon el Programa de Estudios y Perfo Jazzrmance de la Universidad William Paterson. Reid se jubiló después de veinte años, pero continúa enseñando, impartiendo clases magistrales, talleres y residencias en todo el mundo. Hasta la fecha, Reid ha grabado diecisiete álbumes como líder. Ha realizado giras y grabado con Eddie Harris, Nancy Wilson, Harold Land y Bobby Hutcherson, Lee Konitz, The Thad Jones & Mel Lewis Jazz Orchestra, Dexter Gordon, J.J. Johnson, Art Farmer, Stan Getz, Kenny Burrell, Kenny Barron y muchos otros. Reid continúa liderando su Out Front Trio con el pianista Steve Allee y el baterista Duduka Da Fonseca. Lanzó Out Front, el álbum del trío, en 2010. Reid volvió a grabar con este trío, agregando a los invitados Bobby Watson, Freddie Hendrix, JD Allen y Toninho Horta, y lanzó Hues of a Different Blue en 2011.
Tomás Peña: Felicitaciones por publicar “Quiet Pride: The Elizabeth Catlett Project“. El proyecto marca un capítulo nuevo y emocionante en su carrera.
Rufus Reid: Se lo agradezco. Mi esposa me sugirió que ya era hora de hacer las cosas que quería hacer, así que me uní al Taller de Compositores de BMI; ese fue el catalizador.
TP: Cuéntame sobre el Taller.
RR: El taller es un encuentro de compositores de jazz emergentes y en desarrollo. La atención se centra en una big band, una orquesta de jazz y una gran composición de conjunto. El taller fomenta el crecimiento de los compositores y crea un cuerpo de trabajo que ayuda a ampliar el lenguaje de composición para la orquesta de jazz. También permite a los compositores reunirse y compartir ideas.
TP: ¿Qué te atrajo del arte de Elizabeth Catlett?
RR: Taller de Compositores de BMI y Concurso de Composición Raymond y Beverly Sackler. Cada año, otorgan a la Universidad de Connecticut, una importante escuela clásica, un premio de 20.000 dólares al año. En 2006 supe que agregaron jazz. Envié una propuesta y fui aceptada. Luego tuve que decidir sobre qué escribiría (componer), y fue entonces cuando mis ojos se posaron en este grueso libro de mesa de café, “El arte de Elizabeth Catlett” de Samelia Lewis. Mientras miraba las fotos, pensé: “¡Eso es! Propondré una suite de 4 partes basada en las esculturas de Catlett: Reconocimiento, Madre e hijo, Cabeza cantante y Gloria”. Más tarde supe que los directivos de BMI estaban avergonzados porque los Sackler eran mecenas de las ciencias y las artes muy respetados y nunca habían oído hablar de Elizabeth Catlett.
TP: Este es un momento excelente para presentar a Elizabeth Catlett a nuestros lectores. Esto de Francisco Mora Catlett, hijo de Elizabeth: “La escultora, grabadora y pintora Elizabeth Catlett nació en Washington, DC en 1915 y se educó en los Estados Unidos. En 1947, viajó a México con una beca del Fondo Julius Rosenwald. Un año después, Se estableció como residente permanente en México. Comenzó su trabajo gráfico en el Taller de Gráfica Popular, donde conoció a su segundo marido, el grabador y pintor Francisco Mora. Tuvieron tres hijos: Francisco, Juan y David Mora. Entre sus amigos se encontraban Los artistas mexicanos Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. El trabajo de Catlett con El Taller la convirtió en blanco del vicioso ambiente político anticomunista de la posguerra, que condujo a la Guerra Fría y al macartismo. Ciudadana mexicana en 1962. Durante el Movimiento por los Derechos Civiles, el gobierno de Estados Unidos le negó la entrada a Estados Unidos. Sin embargo, un colectivo de artistas negros la ayudó a obtener una Visa cultural limitada y montó una exposición en el Studio Museum de Harlem. Su prestigio como artista estadounidense aumentó desde la década de 1970 hasta la de 1990, cuando muchas instituciones tradicionales adquirieron su obra. Después del fallecimiento de Francisco Mora en 2002, a Catlett se le concedió la ciudadanía estadounidense. Murió en Cuernavaca, México, en 2012, a los 96 años.”
TP: Antes del Taller BMI, ¿conocía al hijo de Elizabeth, Francisco Mora Catlett?
RR: Cómo conocí a Francisco es otra historia. Un trompetista llamado Eddie Allen reúne principalmente a músicos negros (tipos como Jimmy Heath y Slide Hampton) para ensayar en el sindicato. Me invitó a bajar. En el ensayo le expliqué que era música nueva, inspirada en Elizabeth Catlett, y el trompetista dijo: “Conozco a su hijo Francisco, vivía en Detroit, ahora vive en Nueva York”, y la trompa El jugador dijo: “¡Ella es mi madrina!”
Francisco es un consumado baterista y compositor que estudió y actuó con Sun Ra, Max Roach y Babatunde Olatunji. Es el líder de Afro Horn. Llamé a Francisco y le expliqué cómo llegué a escribir música basada en el arte de su madre, y él me dijo que ella vendría a visitarme a Nueva York, así que los invité a Sweet Basil, donde estaba actuando con (el pianista) Kenny Barron y ( baterista) Víctor Lewis. Aparecieron para el último set y Elizabeth y yo hicimos clic; ella me recordaba a mi abuela. Luego invité a Elizabeth y Francisco a mi casa. Durante la cena, nos invitó a mi esposa y a mí a visitarla en Cuernavaca, México. Tomamos la invitación como una delicadeza, un gesto amable. Unas semanas más tarde, Catlett llamó: “Entonces, ¿cuándo vendrás?” Mi esposa y yo pasamos el Día de Acción de Gracias con ella en Cuernavaca, México.
TP: Cuéntame sobre la visita.
RR: El arte estaba en todas partes. Era una casa encantadora y cómoda con varias habitaciones, un dormitorio grande y una cocina. Al fondo estaban los estudios de ella y Francisco Mora. Ver cómo empezó todo y cómo progresó su trabajo fue fascinante. Nunca antes había estado con alguien como ella.
TP: ¿La visita tuvo un impacto en la música?
RR: No directamente. Agregué una pieza en 2012 cuando conseguí el concierto de la Universidad Estatal de Luisiana. Revisé la partitura y la modifiqué. Además, una exposición en el Museo del Bronx titulada “Observadores de estrellas: Elizabeth Catlett en conversación con 21 artistas contemporáneos” destacó el papel de Elizabeth como artista afroamericana pionera y su relación con generaciones posteriores de artistas contemporáneos (2011). Esa fue la inspiración para “Tapestry in the Sky”.
“TP: Interpretaste las canciones “Glory” y “Mother and Child” con tu pequeño grupo.
RR: Fue diferente cuando buscaba material nuevo, pero funcionó. Hablando de la canción “Ory”, fue contratado para hacer esto con (el promotor, productor y empresario) George Wein Atatizzy’s Club Coca- (Nueva York). Llegué, puse mi bajo, colgué mi abrigo, abrí la puerta y entró una mujer. Me presenté y dijo que se llamaba Glory. Curiosa, le pregunté: “¿Serías THE Glory de Elizabeth Catlett?”. Ella me miró y preguntó: “¿Qué sabes sobre eso?”. Y yo respondí: “Bueno, yo escribí la música. “Su nombre completo es Glory Van Scott. Ella es una destacada productora, intérprete, autora, educadora y activista cívica. Conoció a Elizabeth en una reunión de 35 mujeres africanas destacadas. Más tarde, le pregunté a Elizabeth al respecto y ella dijo: “Vi esta mujer y me gustó cómo se veía su cabeza. Le pregunté si podía esculpir su cabeza”. “Entonces, todo esto y me encontré con LA Gloria en manera tan ventajosa. Lo que me dice que estaba destinado a hacer este proyecto. Que yo esté aquí, hable contigo y ambos vivamos en Teaneck, Nueva Jersey, está fuera de serie. La gente se comunica conmigo de la nada; Todo lo que puedo hacer es sentarme y seguir adelante porque soy honesto. Estoy haciendo lo que tengo que hacer y estoy agradecido de poder hacerlo antes de convertirme en noble. Todos somos creadores, y este proyecto trata sobre el arte que inspira otro arte. Intento forzar la interacción entre las disciplinas porque me he enriquecido. Me gusta el arte inspirador.
TP: ¿Qué pasa por tu mente cuando miras una obra de arte? ¿Cómo expresas tu visión a través de la música?
RR: “other and Child” son claros y limpios, las líneas se mueven con la veta y las formas son mejores. Con “lory”, “tththereangst, power y ceños fruncidos, que equiparo con algo tonal, hermoso, melodías angula pero melodías pero bonitas. Con “Tapestry in the Sky”, pensé en personas mirando las estrellas. Si te quedas ahí el tiempo suficiente, Puedes perderte y ver muchas cosas.
Durante mucho tiempo, a nadie le gustará esto. “Tú eres esto… Simplemente tenía que publicarlo y estoy agradecido de haber tenido a lo largo de los años personas como Muhal Richard Abrams. Él y yo estábamos de gira con ( saxofonista) Eddie Harris durante tres años en los años 70. Muhal siempre me daba material para trabajar. Dichos como: ¿Por qué no revisas esto? ut? una lista siempre verop.nialso Alsalso (pianista, compositor y director, educador ) Tania León fue mi mentora en el Taller de la Universidad de Columbia. Puede interpretar a Ravel, transformarse en Cecil Taylor, agregar algo de clave y montuno, volver a transformarse en Ravel y hacer que parezca sin esfuerzo.
TP: Mirando hacia atrás, sobre la experiencia y el producto terminado. ¿Cumple con tus expectativas?
RR: Puedo escucharlo y me gusta. Durante el proceso de grabación, lo escuchamos y sentimos náuseas. El proyecto se grabó sección por sección y la edición fue bastante sencilla. Intentamos capturar los matices. Lo único en lo que insistí fue en no sobregrabar.
TP: El CD mejorado incluye una película que ofrece a los espectadores una mirada interna a la creación de Quiet Pride. La película captura un momento emotivo en el que felicitas a los jugadores y dices: “Escribí esto, pero nunca lo había oído interpretado a un nivel tan alto”.
RR: Los músicos son mis amigos, gente con la que he tocado. Conozco sus capacidades, particularmente en este género. Puedes contratar músicos que toquen bien, pero si nunca han tocado en una big band y no entienden la combinación y el fraseo, esto puede afectar negativamente el resultado. Todos tienen una inmensa experiencia y son creativos individualmente, pero verlo suceder fue genial porque esta es la primera empresa comercial que muestra mis composiciones a nivel mundial. Todos trajeron su juego “A”.
(El conjunto: Rufus Reid (bajo), Steve Allen (piano), Herlin Riley (batería), Vic Juris (guitarra), Dennis Mackrel (director), Trompetas: Tany Darby, Tim Hagans, Ingrid Jensen, Freddie Hendrix. Trombones: Micheal Dease, Jason Jackson, Ryan Keberle y Dave Taylor. Cañas: Steve Wilson, Erica Von Kleist, Scott Robinson, Tom Christensen y Carl Maraghi. Voz: Charlene Wade. Ingeniero de grabación: James Farber).
TP: ¿Qué tipo de recepción ha recibido Quiet Pride?
RR: El trombonista Slide Hampton, el saxofonista, compositor y arreglista Jimmy Heath y el saxofonista y compositor Benny Golson lo escucharon y dijeron: “Sí, lo disfruté”. No quería que entraran en una recitación completa; viniendo de ellos, eso es suficiente. Francisco Mora Catlett escribió: “Quiet Pride es un trabajo muy inspirador; las composiciones son fabulosas, los arreglos son ricos, orquestaciones lujosas con efectos de melodía vocal sorprendentes y una gran elección de músicos maestros que brinda belleza en estas interpretaciones; Es una maravillosa obra épica inspirada en el gran arte americano. Gracias, Rufus; Sé que a mi madre le encanta el trabajo”. La otra reacción que obtengo es: “¿Por qué haces esto?” La gente está desconcertada por mi participación en un taller y mis lecciones de música a los 70 años.
TP: Eres autor de The Evolving Bassist, que se describe como el libro “definitivo” sobre el método del bajo.
RR: Sí, se publicó en 1974. Cuando estaba con Eddie Harris, estaba dirigiendo clínicas y él dijo: “Eres inteligente, eres un graduado universitario, estás grabando conmigo, ¿por qué no?”. ¡tu escribe un libro! Si decides escribir un libro, quiero que me prometas dos cosas: lo terminarás y será tuyo”. En aquel entonces, no sabía cuán profunda era esa declaración. Eddie fue uno de los pocos que entendió lo que significaba ser músico profesional. Vio y comprendió el panorama general. También solía decir: “¡Si acumula polvo, es tu polvo!” Todavía recibo regalías por algunas canciones que creamos juntos. Seguí su consejo y terminé el libro. Lo publiqué y soy dueño. Hoy les digo a los jóvenes: “Si creen que tienen algo que nadie más tiene, sigan adelante y háganlo, pero no lo regalen”.
TP: Tengo curiosidad por saber si Elizabeth ha escuchado toda la suite.
RR: Ella escuchó una parte y lo aprobó.
TP: ¡Sin duda, Elizabeth está escuchando!

ARTIST WEBSITE: http://www.rufusreid.com
A graduate of Empire State College with a dual major in journalism and Latin American studies, Editor-in-Chief Tomas Peña has spent years applying his knowledge and writing skills to the promotion of great musicians. A specialist in the crossroads between jazz and Latin music, Peña has written extensively on the subject. His writing appears on Latin Jazz Network; Chamber Music America magazine and numerous other publications.

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